《创意行为：表现、过程和风采》（The Creative Act: Performance, Process, Presence）在阿联酋的阿布达比酋长国古根海姆博物馆举行，这也是阿布达比古根海姆博物馆的第二次大型展览。20多位来自不同国度和年龄段的艺术家共同促成了这个展览，展示出在社会发展的历史进程中，人类的表现、历史的进程以及人性的风采。总的来说，《创意表演》这场展览通过20世纪60年代以来现代艺术的典型代表，为观众提供了一个涉及多种文化的视角，将来自世界各个角落的艺术相互联系、相互交融，以强调在历史变革的过程中，越来越紧密联系的文化范畴。这些完全不同的作品却透露出艺术家们在创作时，共同的灵感来源和感情线索，以及对社会生活和未来发展做出的不同程度的贡献。
> 安尼施·卡普尔，《我的红色故乡》（My Red Homeland）, 2003年，蜡、油基漆涂料、发动机和钢铁，直径: 12m,高度可变
展览是通过一系列的不同章节展开的，试着去探讨三个大主题。观众们大概可以欣赏到25件作品，包括装置、绘画、影像、雕塑，以及纸上作品。展览的第一个章节，通过肢体语言的展示和日常生活中使用的材料展现一个全新的绘画形式。来自五湖四海的艺术家作为一个个不同的个体站在各自的角度展现他们的观点。20世纪60年代以来，来自法国、德国、日本和英国的艺术家们，通过艺术创作展现的对世界的思考过程。
> 昆特·约克，《纽约舞者I》, 1965年，钉子、布料、金属和电动马达, 200x30x30cm
表演需要发生在一定的时间和地点，有的可以被记录，作为录音或录像被保存下来。所以表演可以作为一种最初级的方法去展现分立的主题。20世纪60年代以来，很多艺术家采用行为艺术的表现方式，有些是作为主要角色出演，有些则是经过精心策划的一场好戏，有些或许就是自发的一种原始行为。但有些时候，他们会作为导演，指导参与者的表演。拉希德·阿瑞安（Rasheed Araeen）的《轮穴》（Chakras I，1969–70/1987），据说是在策展团队中最受欢迎的一件作品。阿瑞安最初的表演是发生在1970年的2月21日，当时，他邀请了当地的艺术家、他的一些朋友以及民众一起参与其中，将16个红色的磁盘放到伦敦的泰晤士河中。阿瑞安将磁盘漂流的方向和地点记录下来，拍摄整个表演过 程，当磁盘顺着河流漂浮而下之际，他就捕捉这些场景。据阿瑞安自己说：他十分着迷于这件事——盯着水看，观察着漂浮的木块或者塑料从一个地方漂流到另一个地方，而这所有的一切都归咎于水和风的运动。阿瑞安将这些漂浮的物体比喻为城市发展进程中的一个典型案例——从非洲、拉丁美洲、东亚和欧洲流入的移民在伦敦的各个角落聚集或定居。对于阿瑞安而言，这些漂浮物的安排和在水中的运动就反映了城市周围的多种社群的存在。在当时的表演过程中，移民话题着实引起了很多当地观众的共鸣。阿瑞安的这一作品起到了一定的激化作用，也作出了一个重要的提示——人类的互相依赖是创造伟大成果的来源。
> 昆特·约克，《纽约舞者I》, 1965年，钉子、布料、金属和电动马达, 200x30x30cm
第二个章节展示的是自上世纪80年代以来，在阿拉伯联合酋长国，艺术家们对概念艺术的实践，通过对表演主题和细节的捕捉，以及被相机记录下来的情景，展现出艺术家对个人身份和社会身份进行了重塑和审问。
展览带来的作品强调了“创造”这一行为，通过相关的照片、电影、录像和档案将艺术家创作的方法、灵感和创意展现出来。很多艺术家会强调创作作品过程的重要性，展现他们是如何进行创作的，而这其中最关键之处是要顾及时间的变革以及观众的反应。艺术家的艺术作品和相关的档案资料将动态的作品引进到生活中，这里最典型的代表就是白发一雄（Shiraga Kazuo）和田中敦子（Tanaka Atsuko），二人都与日本具体派美术协会（Gutai Art Association, 1954–1972）有些联系。还有另一个艺术群体也是很受观众关注的就是60年代的先锋艺术家们，比如妮基·桑法勒（Niki de Saint Phalle）和昆特·约克（Günther Uecker），他们采用表面破坏的手段和日常材料进行实验性创作，在现代社会引起广泛的关注和评论。英国印度裔艺术家安尼施·卡普尔（Anish Kapoor）的大规模几何形态和生物形态雕塑作品会令人联想到最原始的自然和生物体。
> 白发一雄（Shiraga Kazuo）,《世俗的明星照耀下的雌虎》(Female Tiger Incarnated from Earthly Shady Star), 1961年，布面油画, 130.8 x 162 cm
第三个章节为观众带来了一系列的装置作品，大多数作品都是进入21世纪以后的创作，艺术家们通过多媒体作品吸引观众，以获得强大的视觉和感官冲击，展现具有历史性的艺术作品，，凸显社会生活的变化带来的巨大影响。无论是艺术作品还是可见的表演痕迹，《创意行为》通过三个沉浸式的装置例证了人类存在的重要性。苏珊·赫芙娜（Susan Hefuna）的纸上作品和视频作品检验了编舞和人类日常活动的相似性——他们都是穿越城市的街道到达目的地。
这次展览聚集的艺术家的共同特点促成了这个展览的主线，我们可以在妮基·桑法勒（Niki de Saint Phalle）60年代生动的绘画作品《纽约上空的龙》（Pirodactyl Over New York，1962）中发现，也可以在安尼施·卡普尔（Anish Kapoor）用25吨红色蜡烛制作的《我的红色故乡》（My Red Homeland ，2003）中找到，以及安里·沙拉2013年的视频装置《解开 解开 解开》（Ravel Ravel Unravel）中看到。所有这些，与大多数参展作品一样，彰显出了个人和集体相对的历史故事，表现了时间和空间的概念。沙拉通过三部分组成的沉浸式装置，使得观众利用理性和时间进入一个非线性的旅程。法国电子音乐艺术家DJ克洛伊（Chloé）设法用数字混合录音制作出钢琴曲。
> 田中敦子（Tanaka Atsuko）,绘画，1960年，画布上的乙烯基树脂颜料，131.5 x 97.5 cm
来自西亚的艺术家在展览中有十分出众的表现，他们带来的作品时间跨度长达几十年，形式多样的不同媒介来展示不同地理位置的内容和事件。已故的阿联酋艺术家哈桑·谢里夫（Hassan Sharif）为60年代的现代艺术与现在的现代艺术架起了一座桥梁。现在的古根海姆博物馆阿布扎比分馆依旧收藏着谢里夫80年代在伦敦和迪拜进行的艺术表演资料。在展览中，可以从其他艺术家的作品中看到谢里夫的艺术遗产。比如艾比萨姆·阿卜杜勒阿齐兹（Ebtisam Abdulaziz）和·卡西姆（Mohammed Kazem）两位艺术家的表演，一个在沙迦，，两个表，以及我们的人生经历和对世界的理解通过时间的持续进行着连续的进化。
整个展览浏览下来，内容丰富得让人有点难以消化，恨不得一口吃成了个胖子。这样的一顿饱餐是不利于身体健康的。在展览的设置和策展思路上，看似清晰的脉络和线索，实则有些混乱和冗杂了。但是每一件作品拿出来看，它们都各具特色，美味至极，让人回味无穷，一顿能吃上一口其实就足以填饱肚子并且满足味蕾的需求。
> 展览现场
难得的是，成立不久的阿布扎比分馆能够聚集世界各地的艺术力量，举办这样一个满汉全席式的展览，通过不同国家、地区和种族的融合和联系，呈现一场记录历史性和人性变革的盛宴。作品在表现每一个艺术家不同风格的同时，直接或间接地展现出艺术的包容性和广阔性。正是因为艺术与社会，艺术与哲学，艺术与生活等有太多的联系，在彼此相互的作用下，艺术有了更多发展的可能性和未来性。历史的意义，不光是为了回顾，更是为了祭奠过去，以成就明天。
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